‘Nem que a vaca tussa’

O início dos anos 2000 foi bem difícil para a Disney, em que o estúdio enfrentou a concorrência pesada da Pixar, que lançou animações como ‘Monstros S.A.’ (2001), ‘Os incríveis’ (2004) e ‘Carros’ (2006), obras com roteiro e estética muito mais interessantes que ‘A nova onda do imperador’ (2000), ‘Atlantis: o reino perdido’ (2001) e ‘Leitão: o filme’ (2003), da Disney. A única exceção é ‘Lilo & Stitch’ (2002). Até que, em 2006, a Disney comprou a Pixar e recuperou a qualidade com ‘Ratatouille’ (2007), ‘Wall-e’ (2008) e ‘Up: altas aventuras’ (2009).

Foi no período de vacas magras (com trocadilho, por favor) que a Disney lançou, em 2004, ‘Nem que a vaca tussa’ (‘Home on the range’, no original). Escrito e dirigido por Will Finn e John Sanford, o filme conta o périplo de três vacas – Maggie, Grace e senhora Caloway – para salvar a fazenda onde vivem de ir a leilão por causa das dívidas acumuladas. Para isso, elas vão precisar capturar um bandido perigoso, Alameda Slim. Ele é capaz de hipnotizar o gado para roubar o rebanho, revendê-lo e, depois, comprar as fazendas cuja falência ele mesmo provocou.

Com orçamento de US$ 110 milhões, a animação fez pouco mais de US$ 145 milhões em bilheteria no mundo todo, cifra que cobre os custos de produção, mas que está bem aquém das expectativas. Não é por acaso. O roteiro é extremamente previsível e nem mesmo a trilha sonora – uma das especialidades da Disney – escapa do óbvio. Os números musicais inseridos na trama são decepcionantes e não há canção capaz de grudar na memória do espectador.

Mas há dois pontos positivos que podem ser destacados no longa-metragem, que dura cerca de uma hora e quinze minutos e está disponível no catálogo da Netflix. No entanto, ambos dizem respeito ao trabalho feito posteriormente no Brasil. O primeiro deles é a tradução dos diálogos, que consegue encaixar com graça expressões populares brasileiras, como “a vaca foi para o brejo”. O segundo é a dublagem, uma especialidade nossa, que reúne nomes de peso, como Fernanda Montenegro, Claudia Rodrigues e Isabela Garcia, que dão vida às protagonistas. Ainda assim, é pouco para salvar o filme.

Imagem: Disney/divulgação

‘Com amor, Van Gogh’

Inspirados pelas obras e pela técnica de Vincent Van Gogh, mais de cem artistas trabalharam durante seis anos em uma animação. Lançada em 2017, ‘Com amor, Van Gogh’ narra a jornada de Armand Roulin (Douglas Booth) para cumprir um pedido do pai, o carteiro Joseph Roulin (Chris O’Dowd), que era amigo do pintor: entregar a Theo Van Gogh (Cezary Lukaszewicz) uma das últimas cartas escritas pelo irmão artista. Na empreitada, Armand acaba descobrindo detalhes sobre a vida e a morte de Vincent, cujo talento só foi reconhecido postumamente.

O esmero da produção – coproduzida por Polônia e Reino Unido e dirigida por Dorota Kobiela e Hugh Welchman – salta aos olhos já nos créditos de abertura. Trata-se do primeiro longa-metragem da história do cinema todo elaborado com pinturas feitas a mão. Para recriar o estilo inconfundível do artista holandês, a equipe de pintores se valeu das obras de Van Gogh para criar os cenários e de ilustrações feitas para reproduzir as cenas filmadas com atores. O resultado, tanto das passagens coloridas quanto dos flashbacks em preto e branco, é simplesmente arrebatador.

Contudo, de nada adiantaria tanta beleza em um conteúdo vazio, que tampouco faria jus ao trabalho de Van Gogh, um artista que começou a pintar tardiamente para os padrões da época (aos 28 anos) e cujo temperamento arredio o levou a ser considerado louco, levando-o a uma morte prematura, por suicídio, aos 37 anos, em 1890. Embora sua carreira não tenha durado nem dez anos, foi bastante produtiva: cerca de 800 obras.

Obviamente, uma biografia tão singular quanto essa já deu origem a inúmeros filmes, como ‘Sede de viver’, dirigida por Vincent Minnelli e protagonizada por Kirk Douglas nos anos 1950, e o recente (e posterior ao desenho) ‘No portal da eternidade’, comandada por Julian Schnabel e estrelada por Willem Dafoe em 2018. Ambos renderam aos atores indicações ao Oscar.

A animação, porém, desloca levemente o protagonismo para Armand Roulin, incumbido de entregar a correspondência à família do pintor. A cada novo encontro com alguém que conviveu com o artista em Auvers-sur-Oise, vilarejo que fica uma hora ao norte de Paris, o jovem vai montando o quebra-cabeça da personalidade de Van Gogh e acaba questionando se ele realmente teria cometido suicídio com um tiro na barriga (uma forma bastante incomum de tirar a própria vida) ou teria sido assassinado.

A suspeição levantada pelo roteiro, escrito pela dupla de diretores em parceria com Jacek Dehnel, ajuda a movimentar a trama, mas o espectador que estiver à espera de uma conclusão vai acabar frustrado ao fim de uma hora e meia de projeção. ‘Loving Vincent’, no título original, é uma animação que está menos preocupada em reescrever a biografia de Vincent Van Gogh e mais interessada em celebrar, com uma estética impecável, a genialidade de um dos maiores e mais conhecidos pintores da história da arte.

Imagem: divulgação

‘Perdi meu corpo’

Quem disse que animação tem que ser feita para o público infantil e que adultos não podem gostar? Há muito tempo, a ideia de que o gênero era dedicado exclusivamente às crianças já foi superada. É claro que a grande maioria é voltada aos espectadores mais novos, mas os mais velhos têm sempre de ser considerados. Afinal, são eles que levam os pequenos aos cinemas. E também querem – e merecem – se divertir. Por isso, as produções trazem diversas camadas de significados, a serem compreendidas segundo a faixa etária.

Mas pode uma animação ser feita para adultos? Óbvio! E elas não precisam se limitar a nenhum subgênero, como super-heróis ou erotismo. Prova disso é ‘Perdi meu corpo’, fantasia dramática francesa dirigida por Jérémy Clapin que estreou em 2019, foi indicada ao Oscar de melhor animação e está disponível no catálogo da Netflix. O filme conta a história de uma mão decepada que parte em busca do restante do corpo.

A sinopse parece um tanto macabra, mas o roteiro escrito por Clapin em parceria com Guillaume Laurant (autor do livro ‘Happy hand’, no qual a obra é inspirada, e do já clássico ‘O fabuloso destino de Amélie Poulain’) é mais melancólico do que sombrio. São 81 minutos de uma produção esteticamente caprichada que se divide em duas temporalidades: o presente, representada pela jornada da mão solitária, e o passado, que nos conta a quem ela pertence.

Quando criança, Naoufel sonhava ser pianista, por influência dos pais musicistas, e astronauta. A realidade, porém, se impôs. Um dia, na volta de um concerto, já tarde da noite, a família sofreu um acidente de carro e Naoufel ficou órfão. Ele passa a viver com um tio e um primo, em um ambiente sem qualquer afeto, e – anos depois – se torna entregador de pizza. Em uma de suas entregas, acaba se apaixonando pela bibliotecária Gabrielle e faz de tudo para conquistá-la.

Além de tratarem da mesma pessoa, embora a mão possa ser considerada uma personagem independente, as duas histórias se complementam na busca por pertencimento. Enquanto a mão deseja voltar a fazer parte do corpo, Naoufel procura em Gabrielle o afeto que lhe foi subitamente tirado pela tragédia familiar. Ainda que soe triste, ‘Perdi meu corpo’ oferece uma reflexão sobre a importância de se sentir completo e de encontrar o seu lugar no mundo.

Imagem: divulgação

‘Frozen 2’

Com orçamento de milhões de dólares, empenho de centenas de profissionais e dispêndio de anos de trabalho, as animações estão entre as produções mais caras da indústria do cinema. Para minimizar riscos e maximizar lucros, os estúdios costumam apostar em remakes, reboots (quando uma saga é reiniciada) e continuações. É o caso de ‘Frozen 2’, sequência do enorme sucesso lançado pela Disney em 2013. Para efeito de comparação, ‘Frozen: uma aventura congelante’ custou US$ 150 milhões e arrecadou mais de US$ 1,2 bilhão no mundo todo. O segundo volume teve o mesmo orçamento e já ultrapassou o anterior em bilheteria, que vai aumentar mais, já que o filme acabou de estrear no Brasil e ainda está em cartaz em muitos países.

Na nova empreitada, Anna, Elsa, Kristoff, o boneco de neve Olaf e a rena Sven precisam desvendar um antigo mistério que envolve o reino de Arendelle e os poderes mágicos de Elsa. ‘Frozen 2’ é visualmente mais interessante e o roteiro tenta ser profundamente mais filosófico (Olaf, por exemplo, passa todo o tempo questionando a própria existência), mas apela para clichês como a importância da convivência pacífica entre os povos e a harmonia entre os elementos da natureza. Não fosse a falta do “coração”, Elsa poderia ser uma espécie de ‘Capitão Planeta’.

A aventura – presente até no título do episódio inaugural – é frouxa e sem clímax. Os conflitos são resolvidos tão rapidamente que mesmo as perdas, essenciais para a jornada do herói (no caso, heroínas), não são devidamente sentidas pelos protagonistas nem pelos espectadores. E há ainda personagens inexplicáveis, como o espírito do vento Gale, o cavalo – feito de água, mas que não é marinho – Nokk e a salamandra Bruni, cuja única função é ser fofa.

Os momentos mais inspirados do texto são de Olaf (brilhantemente dublado por Fábio Porchat, na versão em português), que serve como alívio cômico da trama. Suas questões existenciais, seu saber enciclopédico e suas tiradas conseguem arrancar muitas risadas. E cabe a ele protagonizar a melhor cena da animação: o momento em que resume os acontecimentos do primeiro filme. Na cena pós-crédito, esse truque se repete com a mesma eficiência para condensar a história que acabou de ser exibida.

Impossível falar do universo de Frozen sem lembrar de ‘Let it go’, uma boa canção que cansou pela quantidade de vezes que foi tocada. Menos grudenta e mais soturna, ‘Into the unknown’ até tenta vencer pelo cansaço (sua melodia é executada em diversos momentos), mas passa bem longe de grudar nos ouvidos pelos próximos meses. A versão para o português, ‘Minha intuição’, é ainda mais malsucedida do que ‘Livre estou’ havia sido. Para completar, a trilha sonora traz músicas pouco inspiradas em cenas que parecem clipes bregas de grupos pop adolescentes dos anos 1990.

A pretensão de ser mais denso esbarra tanto na fraqueza da estrutura narrativa quanto na profunda dependência da obra anterior, sobretudo de seus personagens. Por vezes, os diretores Chris Buck e Jennifer Lee até tentam se descolar e buscar uma identidade própria para a continuação, mas o estrondoso sucesso do primeiro volume parece chamá-los de volta à zona de conforto e novas sensações são rapidamente bloqueadas. O maior defeito de ‘Frozen 2’, com o perdão do trocadilho, é ser excessivamente frio.

Imagem: Disney/Divulgação